REI MIYAMOTO LA MUJER MAS SENSUAL DE EL ANIME

UNA DE LAS MUJERES MAS SENSUALES DE EL ANIME. REI MIYAMOTO

VOCHO DIBUJO

dibujo de el auto mas emblematico de todos los tiempos "el vocho" dedicado a el club hidrobugs de aguascalientes.

EL AJEDREZ MAS PEQUEÑO DEL MUNDO

el ajedrez mas pequeño de el mundo, esta dentro de un anillo como lo muestra la imagen, muy buen ingenio.

EL HOTWHEELS MAS CARO ( COMBI)

(combi) El Rear Loader Beach Bomb de 1969 es el "Santo Grial de los Hot Wheels". Este pequeño vehículo escala 1:64 producido por la marca de juguetes en 1969 alcanzó un precio de 150,000 dólares (dos millones 550 mil pesos aproximadamente) y sólo una persona en el planeta puede presumir dos en su colección, Bruce Pascal. El legendario coleccionista asegura que deben de quedar un par más de estos ejemplares enterrados en algún lugar del planeta, esperando a ser encontrados. En la actualidad, los vehículos que la firma de la flama produce se clasifican en los que son aptos para rodar en las pistas de juguete y los que no; incluso hay una serie de coches que montan ruedas hechas de un material plástico más resistente a la fricción. En 1969 la instrucción de Mattel para los diseñadores era otra: todos los modelos debían funcionar en sus pistas y realizar las maniobras detalladas en los empaques. Sin embargo, cuando la Rear Louder Beach Bomb (modelo inspirado en una Combi) se hacía pasar por las pistas, se volteaba y se salía de la trayectoria principalmente porque era muy angosta con respecto al ancho del carril. De inmediato, los diseñadores Howard Rees y Larry Wood ensancharon la Combi, agregando un soporte de cada lado para cargar tablas de surf. El prototipo final se transformó en la versión de producción denominada Volkswagen Beach Bomb o simplemente Beach Bomb para los coleccionistas. De ahí que los prototipos previos a la modificación sean tan costosos. Bruce Pascal le compró a Chris Marscha uno de aquellos prototipos sobrevivientes, quien a su vez se la compró, junto con otros prototipos nunca antes vistos, a un ex-empleado de Mattel.

CALL OF DUTY BLACK OPS 3 (el videojuego mas vendido)

CON 10,74 MILLONES DE VENTAS. Call of Duty: Black Ops 3 es un videojuego de disparos en primera persona desarrollado por Treyarch, Beenox y Mercenary Technology, publicado por Activision.1 Es la 14° entrega de la saga Call of Duty y la secuela del videojuego de 2012 Call of Duty: Black Ops 2.2 3 Fue lanzado el 6 de noviembre del 2015. Desarrollado por Treyarch para PlayStation 4, Xbox One y PC. Y por Beenox y Mercenary Technology en PlayStation 3 y Xbox 360 sólo con los modos multijugador y zombies. Tuvo una versión beta para los que reservaron el juego, del 19 al 25 de agosto para PS4, y del 26 al 29 de agosto en Xbox One y PC. 40 años después de los acontecimientos de Call of Duty: Black Ops 2, el mundo tiene lugar en un futuro distópico, situado en 2065, donde la ciencia y la tecnología ha cambiado radicalmente a la especie humana, con la sociedad violenta y las protestas y el intento de detener el progreso de la tecnología. La tecnología militar ha avanzado hasta el punto donde la robótica juega un papel principal, y se han desarrollado supersoldados. Los seres humanos están llegando al punto donde son más máquinas que seres humanos de carne y hueso y hay muchas especulaciones sobre algún tipo de adquisición por robots. "¿Hasta dónde podremos hacer uso de la tecnología antes de que se vuelva en nuestra contra?". Call of Duty: Black Ops 3 tiene lugar en el año 2065, 40 años después de los acontecimientos de Black Ops 2, en un mundo que enfrenta la problemática del cambio climático y las nuevas tecnologías. En respuesta a los ataques con aviones no tripulados de Black Ops 2, varios países de todo el mundo han desarrollado defensas aéreas de alta tecnología que hacen que las fuerzas aéreas convencionales sean prácticamente inútiles. Por tal motivo, la mayoría de las guerras entre países son realizadas por agentes secretos que luchan detrás de las líneas enemigas. La tecnología militar ha progresado hasta el punto en que la robótica juegan un papel importante en el combate, y tanto drones humanoides robóticos y supersoldados cyborg se han desarrollado para luchar en el campo de batalla. Como resultado, se especula y se teme por una toma de control robótica eventual del mundo. El juego sigue a un equipo de soldados de elite, al igual que las anteriores entregas de la serie de Black Ops. Los actores y actrices que prestan su cara y voz al modo campaña son Christopher Meloni como el Comandante John Taylor, Katee Sackhoff como Sarah Hall, Sean Douglas como Jacob Hendricks, Rachel Kimsey como Rachel Kane, y Tony Amendola como el Dr. Yousef Salim. Ben Browder y Abby Brammell expresan respectivamente las versiones masculina y femenina del personaje del jugador. Otros personajes incluyen a Ary Katz como Peter Maretti, Rey Gallegos como Sebastián Díaz, Lynn Chen como Goh Xiulan, y Robert Picardo como Sebastián Krueger. El corredor de los Seattle Seahawks Marshawn Lynch hace un cameo como un villano. El juego incluye el modo de campaña "Nightmare" (Pesadilla), que es una versión de la campaña principal con la trama cambiada para incorporar zombies y otros seres sobrenaturales. En esta campaña, el virus letal 65-15 se libera en varias ciudades de todo el mundo, convirtiendo a quienquiera que se infecte en zombies. En respuesta, los gobiernos del mundo sellan las zonas más infectadas en cuarentena y forman los Deadkillers, soldados cibernéticos entrenados para exterminar a los zombies.

EL CREADOR DE LOS CABALLEROS DEL ZODIACO (MASAMI KURUMADA)

MASAMI KURUMADA. Saint Seiya (聖闘士星矢, Seinto Seiya?), conocido en español como Los Caballeros del Zodiaco, es un manga shōnen creado en 1986 por Masami Kurumada y publicado originalmente desde enero del mismo año en la revista Shūkan Shōnen Jump de la editorial Shūeisha hasta diciembre de 1990. Fue adaptado posteriormente en una serie de anime de 145 episodios. También se han producido cinco películas animadas y una película con animación CG, además de varias precuelas y secuelas oficiales de la historia original. Se publicaron 108 tomos del manga junto con una edición especial, haciendo un total de 109 en formato Tankoubon, dividido en 28 volúmenes con tres series principales: Santuario, Poseidón y Hades. Ha sido reimpreso y reeditado en formato Wideban, Bunkoban y Kanzenban y también el llamado "Remix", la producción en tres ediciones (2002, 2007 y 2012). Después de la adaptación al anime dos series más han sido producidas: el manga titulado Saint Seiya Lost Canvas por el estudio TMS Entertainment y Saint Seiya Omega por Toei Animation. Al contrario de Saint Seiya Lost Canvas, Saint Seiya Omega fue animada y no fue sino hasta después que se realizó una adaptación al manga, aunque curiosamente ambas series son spin-off. Un tercer anime producido por Toei Animation, Saint Seiya Soul of Gold cuya emisión empezó el 11 de abril de 2015, la serie narra los hechos posterior a la destrucción del Muro de los Lamentos, donde Aioria de Leo es el protagonista y despierta en medio de Asgard junto a los demás caballeros dorados. Actualmente Saint Seiya sigue vigente con el manga Saint Seiya Next Dimension, continuación oficial de la serie cuya versión animada ha sido confirmada para un futuro,12 y con Saint Seiya Saintia Sho. Manga publicado actualmente en Akita Shoten dibujado por Chimaki Kuori. La serie se centra en un grupo de jóvenes guerreros denominados «caballeros» (o «santos»), cuyo protagonista principal es Seiya (caballero que porta la armadura de Pegaso). Estos guerreros luchan del lado de la diosa griega Athena reencarnada en la humana Saori Kido para proteger a la humanidad de las fuerzas del mal que quieren dominar la Tierra. Para sus batallas, cada caballero utiliza su energía interior ligada al universo (el «cosmos»), sus técnicas especiales de lucha, y sus armaduras (originalmente llamada cloth), todas inspiradas en cada una de las 88 constelaciones. Tanto el manga original como la adaptación al anime tuvieron gran éxito en Japón, así también en países europeos como Francia, Italia, España, Portugal, y en la mayoría de los países latinoamericanos.13 14 No obstante, el anime no se tradujo al inglés, sino hasta su llegada a Estados Unidos en 2003.13 En un ranking realizado en línea en Japón y publicado en 2005 por TV Asahi de los 100 mejores animes de la historia, Saint Seiya alcanzó el puesto número 11,15 mientras que en otro ranking realizado en el 2006 alcanzó el puesto número 25.16

LA FIGURA DE ACCION MAS CARA

De todas las figuras de la colección de G.I.Joe, la que más está considerada como el “Santo Grial” es el Pimp Daddy Destro (Destro Papi Chulo). Es un repaint de la tercera versión de Destro, comercializado durante el año de 1997 en un 3-pack llamado Cobra Command Team. Su escasez y poco conocimiento acerca de su origen han hecho de esta figura la más cotizada por los coleccionistas “fuertes” de G.I.Joe. El Pimp Daddy Destro (PDD) es lo más cercano que existe a una leyenda urbana en la colección de G.I.Joe. Durante años se han tejido historias acerca del origen y veracidad de esta figura. Historias tan descabelladas como que es el fruto de una noche de ocio de unos trabajadores en una fábrica de Hasbro en China, hasta que fue el regalo a los niños asistentes a una fiesta de cumpleaños del hijo de uno de los ejecutivos de Hasbro. La verdadera historia de esta figura ha atormentado a los coleccionistas de G.I.Joe durante años, pero fue hasta hace poco, cuando gracias al esfuerzo de un coleccionista pudo conocerse la historia. Tras años de investigación, finalmente el Proyecto Pimp Daddy Destro pudo aportar luz a la historia de esta figura. Los antecedentes En 1997, luego de fracaso de líneas como Sgt. Savage y G.I.Joe Extreme, Hasbro decide ir por el camino más fácil para revitalizar la colección de G.I.Joe: reeditar sus mejores figuras. Estas figuras serían vendidas no individualmente, sino en packs que incluían una figura y un vehículo o tres figuras. También se fabricó una caja con 8 figuras clásicas, llamada Stars & Stripes, la cual imitaba la famosa foto de la toma de Iwo Jima. Lamentablemente muchos de los moldes se habían perdido o destruido en los últimos años. Moldes tan importantes como el de Snake Eyes v.2, Cobra Commander v.1 y Destro v.1. El 3-pack que Hasbro tenia planeado para la “élite” de Cobra (Cobra Command Team) incluía al Comandante Cobra, Destro y la Baronesa. Para reemplazar los moldes perdidos, en este pack se utilizaron los moldes del Cobra Commander v.3 (Battle Armor) y Destro v.3.

EL COMIC MAS CARO DEL MUNDO

Son muy pocos ejemplares que aún se conservan del cómic en el que apareció por primera vez Superman ha sido subastado por 3,2 millones de dólares, lo que lo convierte en la historieta más cara de la historia en el mundo. Publicada en 1938, esta valiosa joya para los amantes de los cómics es una de las pocas copias que todavía se conservan del primer número de la serie "Action Comics 1" y que se destaca por su excelente estado, según la descripción del portal de subastas eBay. El propietario, Derran Adams, decidió ponerlo en venta a un precio de salida de 99 centavos y, cuando en la noche del domingo se cerró el plazo, un comprador había ofrecido 3,2 millones de dólares, según publica el New York Post. El anterior récord lo había establecido otra primera edición de la popular serie "Action Comics 1", propiedad de la estrella de Hollywood Nicolas Cage, quien lo vendió hace tres años por más de dos millones de dólares. El cómic subastado en eBay se publicó en junio de 1938 y en su portada aparece por primera vez un desconocido superhéroe, llamado "Hombre de Hierro", serie que los coleccionistas consideran el "santo grial" de las tiras cómicas de Superman. El dueño de la historieta donará el 1 por ciento del dinero obtenido en la subasta a la Christopher & Dan Reeve Foundation, la organización que investiga los daños de espina dorsal, como los que sufrió el actor que encarnó a Superman en los años setenta y ochenta.

QUIEN INVENTO EL OLEO?

Jan Van Eyck, pintor flamenco, nació en 1370 y falleció en Brujas en 1440 (siglo XV); fue quien descubrió la pintura al óleo, siendo protegido por Felipe el B. Bueno. Con anterioridad a dicho invento, los pintores utilizaban tablas de álamo blanco o tela, sin otros colores que los del temple- imprimación con agua-cola y yeso, utilizando como aglutinante y medio el huevo -; según el método introducido por Cimabue, en 1250 (nació hacia la mitad del siglo XIII, en Florencia, y falleció en 1302); sin embargo los artistas sabían que cuando se trabajaba al temple, las obras carecían de cierta gracia, y seducción del colorido, que hubiesen logrado si conocieran una técnica que facilitara la fusión de los colores; pero aunque muchos intentaron descubrir algún método semejante, nunca dieron con un buen método de trabajo, por mucho que usaran barniz líquido y otras clases de colores mezclados con el temple; y que fuese posible lavarlas sin sacarles el color; el mismo deseo lo tenían los pintores fuera de Italia. Ocurrió que estando las cosas en tal situación, trabajaba en Flandes, Juan de Brujas (Van Eyck), este se puso a probar diversas clases de colores y como le deleitaba dedicarse a la alquimia, preparó muchos aceites para hacer barnices, poniendo una tabla a secar al sol, la cual cuarteó, y viendo el daño producido por el calor, resolvió encontrar el medio de solucionarlo, secando a la sombra y luego de realizar muchos experimentos con sustancias puras o mezcladas entre sí, encontró finalmente que el aceite de linaza y el de nuez, eran los más secantes. Estos, pues, hervidos con otras de sus mezclas, produjeron el barniz que él y todos los pintores habían deseado largamente. Luego vio que si se aglutinaban los colores con esta clase de aceite, les daba una gran solidez y que, secos, no solo no temían al agua, sino que se volvían muy intensos y brillantes de por sí; sin necesidad de barnizarlos. Y lo más maravillosos era que se mezclaban infinitamente mejor que al temple. La pintura al óleo no fue inventada por los europeos en el siglo XV, como se cree, según lo demuestra su presencia en murales del siglo VII que adornan las cuevas aledañas a las estatuas de los Budas gigantes de Bamiyán, destruidas en 2001 por los talibanes afganos. Científicos japoneses, estadounidenses y europeos hicieron este descubrimiento gracias al análisis de pequeñas muestras de pintura de esas cuevas del centro de Afganistán con los potentes rayos X de la Instalación Europea de Radiación Sincrotrónica (ESRF) en Grenoble (Francia), según un estudio publicado ayer en el Journal of Analytical Atomic Spectometry. Las cuevas están decoradas con pinturas que datan de los siglos V al IX y que representan a Budas vestidos con túnicas bermellón sentados entre hojas de palmera y criaturas míticas. Los científicos comprobaron que en 12 de las 50 cuevas fueron empleadas técnicas de pintura al óleo, que datan del siglo VII, probablemente con aceites secantes de girasol y de nogal. "Este es el ejemplo más temprano de pinturas al óleo en el mundo, aunque los aceites secantes ya eran utilizados por los romanos y los egipcios como medicinas y cosméticos", explica en el estudio la japonesa Yoko Taniguchi, quien encabezó el equipo científico que se desplazó a Afganistán. Muchos libros de historia atribuyen al pintor flamenco Jan van Eyck las primeras pinturas al óleo, aunque otros expertos afirman que ya existían antes. La destrucción de los Budas de Bamiyán el 9 de marzo de 2001, que consternó al mundo entero, llamó la atención sobre este sitio arqueológico, que ha sido declarado patrimonio de la humanidad por la UNESCO. La química francesa Marine Cotte, colaboradora del ESRF, reconoció que quizás sin la "conmoción" causada por la destrucción de los Budas no se habría prestado tanta atención a las cuevas, que también resultaron muy deterioradas. Según Cotte, las cuevas se encuentran en "un estado bastante crítico" debido a las explosiones que derribaron a los Budas, a la guerra y a la actividad humana.

LUCIAN FREUD ( era el pintor mas famoso "vivo")

este era el pintor vivo mas famoso,El británico de origen alemán Lucian Freud, cuyos retratos y desnudos hiperrealistas lo convirtieron en uno de los grandes pintores del siglo XX, murió en Londres a los 88 años de edad, según un comunicado de su abogada, Diana Rawstron. Freud se convirtió en 2008 en el pintor vivo más cotizado cuando su lienzo “Benefits Supervisor Sleeping” (1995), en el que aparecía una mujer obesa recostada en un sofá, se subastó en la sede neoyorquina de Christie’s, donde fue adquirida por el multimillonario ruso Román Abramovich por 33,6 millones de dólares.

DIBUJO DE UN ANGEL (COMO DIBUJAR)

dibujo hecho a lápiz sobre papel por el cuns, este dibujo esta hecho con lápiz 2h y hb, cuando quieres aprender a dibujar deberás usar lapices muy claros que te faciliten borrar y que no se noten tanto al remarcar con un lápiz mas fuerte.. en un principio tendras que hacer varias lineas muy claras hasta llegar a el angulo o la forma que quieres dar, al hacerlo marcas esa linea con un lapiz mas obscuro, que sera la linea final.

LA CATRINA EN VOCHO

dibujo hecho en tinta china sobre papel, por el cuns. recreando una de las obras mas famosas de Guadalupe Posadas "la catrina" en uno de los autos mas emblemáticos el "vocho"

Akira Toriyama (DRAGON BALL)

Akira Toriyama (鳥山 明 Toriyama Akira?) (Nagoya, Japón, 5 de abril de 1955) es un dibujante de manga. Se conoce principalmente por sus obras Dr. Slump y Dragon Ball, y por el diseño de personajes de las franquicias Dragon Quest, Chrono Trigger y Blue Dragon. Biografía Entró en 1973 en la Escuela Superior Industrial, inmediatamente después fue contratado por una empresa de publicidad en Nagoya, trabajó allí durante tres años, pero la falta de interés y la mala relación con sus jefes le condujo a la decisión de retirarse y a dedicarse al manga. Su vida de mangaka empezó con una publicación en Shonen Jump de Shūeisha. Más tarde crearía muchas otras historias para esa revista y, posteriormente recogidas en tomos. Toriyama se hizo inmensamente popular en Japón y en el extranjero gracias a su obra Dragon ball la cual ha sido vista por más de tres generaciones a nivel mundial y de la cual el protagonista del anime/manga obtuvo la celebración llamada Dia internacional de gokū, también creo otros personajes, durante la década de 1990. En Japón, sin embargo, continúa siendo una figura pública y aún vive en Aichi con su esposa e hijos, donde su fama le ha causado algunos problemas, por ejemplo, cada vez que hay rumores de que hará alguna aparición en Tokio, la oficina de gobernación se preocupa porque, en ocasiones, multitudes de fans se aglomeran cerca de su casa para observarlo salir e incluso lo acompañan en caravana hasta el aeropuerto; este fenómeno dice mucho sobre la popularidad de Toriyama. A pesar de su fama, en general, a Toriyama no le gusta exponerse en los medios de comunicación colectivos y son muy raras las ocasiones en las que algún periodista ha logrado entrevistarle o tomarle una fotografía para un diario extranjero. Obra Tras llamar la atención del que fuera su editor para el resto de su carrera, Kazuhiko Torishima, con obras como Awawa World y Mysterious Rain Jack (la cual era una parodia de Star Wars), logró debutar a corta edad como dibujante en 1978, con la historia Wonder Island que fue publicada en la revista semanal Shonen Jump. A partir de ese momento creó una serie de historias cortas como Tomato (esbozo de lo que luego sería Dr. Slump) y Today's Highlight Island. Todas tuvieron una moderada aceptación entre los fans, y gracias a ello el autor tuvo la posibilidad de realizar su primera serie. Animes y Mangas Dr. Slump, su primer éxito El salto a la fama llegó con Dr. Slump, que se publicó en la citada revista entre 1980 y 1984. Gracias a ella recibió en 1981 el Premio de Manga otorgado por la editorial Shōgakukan. La aceptación del manga fue masiva y, menos de un año después de su aparición, el 8 de abril de 1981, se estrenó el primer episodio de la serie de animación. En total, se recopilaron 18 volúmenes de manga (40 en España, publicados por Planeta DeAgostini) y la serie de televisión sobrepasó los 240 episodios, llegando a su final el 19 de febrero de 1986. Dr. Slump narra las aventuras absurdas del profesor Senbei Norimaki y de su creación, un robot con forma de niña de 10 años llamada Arale, y demás habitantes de un extraño lugar llamado Villa Pingüino. La serie que haría pasar a la historia a Akira Toriyama dentro y fuera de Japón, al punto de haber llegado a ser el manga más conocido del mundo, fue Dragon Ball. Toriyama, después de escribir Dr. Slump, había escrito una historia corta llamada Dragon Boy, Dragon Ball es la reelaboración de Dragon Boy y su argumento consiste en las aventuras de Son Gokū y sus amigos, en medio de la búsqueda monumental de las siete Dragon Balls, cuya unión puede invocar la presencia del dios dragón. Después de Dragon Ball Logo de Dragon Ball Z. En ese mismo año de 1996, la compañía que realizaba el anime, Toei Animation, intentó continuar con la historia, pero Toriyama se negó a producir más manga de Dragon Ball, así que Toei Animation decidió realizar por si misma una serie original como una secuela de Dragon Ball Z, aunque por petición de Toei Animation, Akira Toriyama ayudó en el inicio del proyecto con el diseño de los personajes y máquinas principales, tres artes conceptuales, y el diseño y título de la serie.2 También es el anime en el que menos ha contribuido.3 Así empezó Dragon Ball GT, que no tuvo tanto éxito como las versiones anteriores (Dragon Ball y Dragon Ball Z). Las siglas GT significan "gran tour". Los trabajos manga que realizó Toriyama después del fin de la serialización de Dragon Ball han sido historias cortas (de entre 100 y 200 páginas), entre las que se encuentran Cowa!, Kajika, Sand Land, Neko Majin, entre otras. Posteriormente en 2008 contribuyó con el concepto original de la nueva OVA de Dragon Ball Z (Ossu! Kaette kita Son Gokū to nakamatachi!! - ¡Hey! Goku y sus amigos regresan.) con motivo del 40 aniversario de la revista Weekly Shonen Jump. Recientemente realizó la película de Dragon Ball La batalla de los Dioses, que se estrenó en cines en marzo de 2013, y un manga precuela de Dragon ball llamado Jaco el patrullero galáctico. Actualmente , y al igual que con La batalla de los Dioses, hace una gran contribución en la más reciente película de Dragon Ball Z La Resurrección de Freezer, presupuestada a estrenarse en la "Golden Week" en Japón en el año 2015, película donde estaría a cargo del arte, concepto guion e historia y que el mismo Toriyama ha dicho: Le imprimiré a la película una historia que quería para el Manga de Dragon Ball, pero que no pude hacerlo, y ahora se me ha dado la oportunidad . Regreso a Dragon Ball con Dragon Ball Super El 28 abril de 2015 se confirmó una nueva saga de Dragon Ball, que estará ubicada después de la saga de Buu, al final de Dragon Ball Z, y cuya historia estará escrita y dirigida por Akira Toriyama. La serie fue estrenada el domingo 5 de julio de 2015 en Japón.4 Videojuegos El éxito de Toriyama también lo ha llevado a trabajar en el diseño de personajes de varios videojuegos. De manera, particular, en la popular serie de videojuegos de rol Dragon Quest (conocida principalmente en Estados Unidos como Dragon Warrior). También diseñó los personajes del videojuego de rol Chrono Trigger para Super Nintendo y Super Famicom y del popular juego de peleas Tobal No. 1 para PlayStation y también de su secuela Tobal No. 2, que solo fue publicada en Japón, al día de hoy trabaja diseñando los personajes para el Dragon Ball Online y Paata Dragon ball Heroes. Su última incursión fue para la consola Xbox 360 donde aporta con su arte para el juego de rol Blue Dragon. Además del videojuego, también se implicó en la serie del mismo nombre. Blue Dragon es el último anime con diseños de Akira Toriyama. Se basa en el videojuego del mismo nombre, y se centra en un mundo donde las sombras cobran vida propia. El protagonista de esta historia es un joven llamado Shu, quien tiene por sombra a Blue Dragon, el cual repite los movimientos que el chico realiza. Shu, un tanto presionado por Nené y por su afán en destruir cuantas cosas se opongan a él, decide comenzar un viaje en el que convivirá con otros jóvenes poseedores también de sombras como él, el cual se hará fuerte y comprenderá muchas cosas sobre el mundo en el que se encontraba. Cross Epoch: Dragon Ball Z One Piece Uno de los últimos trabajos de Toriyama fue junto con Eiichirō Oda (creador de One Piece), juntos crearon una historieta de un solo tomo, en la cual se encontraban personajes de ambas series. La historia es totalmente inventada y no tiene un mundo en singular (es una mezcla de ambos), en otras palabras, una historia fuera de la continuidad temporal de ambas series; los personajes siempre están ubicados entre dos (uno de cada programa) y cada par en un trabajo diferente. Actualmente este material no se encuentra publicado fuera de Japón por ninguna editorial.

DE QUE COLOR ES LA SOMBRA?

la sombra realmente no es un color, aunque muchos lo relacionan con el gris. en el arte, la sombra es una región de obscuridad en donde la luz no puede llegar y ocupa el espacio detrás de un objeto. y no existen colores de sombras si no grados de luminosidad. la sombra se distorsiona cuando es mayor el angulo de la luz.

OBRA DE LEON al pastel por el "cuns"

Una de mis obras favoritas al pastel, mi animal favorito y una manera de preservar la especie en peligro de extinción. ya que el rey de la selva esta despareciendo porque a unos cuantos ignorantes les parece fabuloso tener de trofeo en sus casas las cabezas disecadas de este animal.

CASA DE LA CULTURA AGUASCALIENTES

El instituto Cultural de Aguascalientes tiene sus antecedentes más recientes en la fundación de la Casa de la Cultura de Aguascalientes en 1967, en el edificio que hoy ocupan las oficinas administrativas, la Escuela de Música, el Centro de Idiomas, Escuela de teatro y el Teatro Antonio Leal y Romero, y que fuera con anterioridad la Escuela Federal Tipo “Dr. Jesús Díaz de León”. El 3 de marzo de 1985 la Casa de la Cultura se transformó por decreto en el Instituto Cultural de Aguascalientes. En la actualidad, el Instituto Cultural de Aguascalientes tiene a su cargo diversos espacios y centros para el desarrollo cultural en la Ciudad de Aguascalientes: Centro de Artes Visuales (1977), Centro de Artes y Oficios (1980), Escuela de Danza (1988), Centro Cultural “Los Arquitos” (1994), Centro Cultural y Recreativo “El Cedazo” (1996), Centro de Investigación y Experimentación de Arte Gráfico de Aguascalientes “El Obraje” (2000), Licenciatura en Artes Visuales (2002), La Escuela de Cristo, Centro de Artes y Centro de Investigación y Estudios Literarios de Aguascalientes “Fraguas” (2004). Dependen también del Instituto, el Teatro Morelos, el Teatro Aguascalientes, y el Teatro Víctor Sandoval. Se cuenta además con Casas de Cultura en cada una de las cabeceras municipales del Estado, más de veinticinco Centros de Extensión Cultural que dependen de las Casas de Cultura y sesenta y tres Bibliotecas Públicas y Centros de lectura. Este año se celebra la cuatrigésima edición de la Feria del Libro Aguascalientes, que es la más antigua en su tipo. El Instituto Cultural de Aguascalientes actualmente alberga tres premios de orden nacional de gran reconocimiento: el Premio Nacional de Poesía Aguascalientes, que en abril de 2007 cumplió cuarenta años y que tiene sus antecedentes en los Juegos Florales, el Encuentro Nacional de Arte Joven que lleva XXVII emisiones y, tiene sus antecedentes en el Encuentro Nacional de Estudiantes de Artes Plásticas y finalmente, el Concurso Nacional de Grabado “José Guadalupe Posada” que a la fecha ha entregado XV premios. Estos tres Premios son convocados a su vez por el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, el Instituto Nacional de Bellas Artes y el Instituto Cultural de Aguascalientes.

DIBUJO DE AMY WINEHOUSE

Amy Winehouse Amy Jade Winehouse (Londres, Inglaterra, 14 de septiembre de 1983 - ibídem, 23 de julio de 2011)6 2 conocida como Amy Winehouse fue una cantante y compositora británica de familia judía, destacada por sus mezclas de diversos géneros musicales, incluidos entre ellos el jazz, R&B, soul y ska. Fue reconocida por su contralto, registro vocal que fue descrito como «acústicamente poderoso» y capaz de expresar «profundamente sus emociones».7 En 2003 Winehouse lanzó su álbum debut, Frank, que obtuvo críticas positivas y fue comercialmente exitoso en su país natal, el Reino Unido, y fue nominado por los premios Mercury Prize. Su segundo álbum de estudio, Back to black, fue publicado en 2006. Por este disco la cantante consiguió seis nominaciones a los Premios Grammy, de las cuales ganó cinco, entre ellas, Canción del año, Grabación del año y Mejor artista nuevo. Este hecho condujo a Winehouse a igualar el record de galardones obtenidos en una noche para una artista -logrado antes por Lauryn Hill, Norah Jones, Alicia Keys y Beyoncé-, obteniendo un total de cinco galardones. Además de ser la primera artista británica ganadora de cinco Grammys en una noche. A su vez esto provocó que estuviera en la mira de los medios, involucrándose con su agitada vida personal.8 9 10 En febrero de 2007, ganó el BRIT Award a Mejor Artista Británica. También ganó un World Music Award y tres Premios Ivor Novello, entre otros prestigiosos reconocimientos. Winehouse fue acreditada como una influencia detonadora en el ascenso de la popularidad de mujeres dedicadas a la música y de la propia música soul, y por fortalecer a la música británica, siendo una de las pocas cantantes de soul actuales que han influido fuertemente en la industria musical. También recibió atención de los medios por causas ajenas a su voz. Su estilo distintivo, sus tatuajes y su peinado beehive, la convirtieron en motivo de inspiración para algunos diseñadores de modas como Karl Lagerfeld. Sus constantes problemas legales, su adicción a las drogas y al alcohol y sus complicaciones médicas derivadas de su comportamiento autodestructivo fueron fuente de titulares desde el año 2007. Fue encontrada muerta en su apartamento el 23 de julio de 2011 a los 27 años de edad, tras sufrir un colapso ante el síndrome de abstinencia. Esto se reveló meses después de su muerte, que en un principio fue asociada a sus múltiples adicciones. Su álbum Back to Black posteriormente se convirtió en el álbum más vendido del siglo xxi del Reino Unido.11 En 2012, Winehouse fue incluida en el número 26 en el listado de las «100 mejores mujeres en la música» de la cadena VH1.12 Amy Winehouse nació el 14 de septiembre de 1983,Notas 1 en el seno de una familia judía y con tradición musical en el jazz.13 Notas 2 Se crió en los suburbios de Southgate (norte de Londres) junto a su padre Mitchell (conductor de taxi),Notas 3 su madre Janis (farmacéutica)Notas 4 y su hermano mayor Alex.14 Notas 5 Constantemente, Mitchell cantaba éxitos de Frank Sinatra para la joven Amy, quien pronto tomó dicho hábito, a tal punto que sus maestros no podían mantenerla callada en clase.15 Sus padres se divorciaron cuando ella tenía nueve años. En ese tiempo se inscribió en la Escuela de Teatro de Susi Earnsh, donde permaneció por cuatro años. A la edad de diez años, Winehouse fundó una banda de rap llamada Sweet 'n' Sour. Luego, a los trece, acudió a la Escuela de Teatro de Sylvia Young, pero fue expulsada tres años más tarde por «no aplicarse» y por hacerse un piercing en la nariz.14 En 1997, apareció en un episodio de The Fast Show, junto con otros estudiantes de la escuela de Sylvia Young. Más tarde, fue al Colegio Británico de Selhurst, Croydon y al Ashmole School.16 17 Amy recibió su primera guitarra a los trece años y comenzó a componer un año más tarde. Al poco tiempo, empezó a presentarse en pequeños bares de Londres. Más tarde, formó parte de una pequeña banda femenina de jazz. Por entonces, su novio, el cantante Tyler James, entregó una maqueta suya a un productor, y así Amy comenzó su carrera profesional a los dieciséis años.13 Firmó su primer contrato con Simon Fuller, al que, posteriormente, renunció en 2002. Más tarde, un representante de Island/Universal, Darcus Beese, la escuchó cantar cuando el gerente de los hermanos Lewinson le mostró unas producciones grabadas por Amy en las que ella era la vocalista clave. Cuando se le preguntó quién era la cantante, el gerente no lo sabía. Después de haber decidido contratar a Winehouse, Beese pasó varios meses buscándola para saber quién era. Sin embargo Amy se encontraba grabando canciones y, cuando la halló, la presentó a su jefe Nick Gatfield, quien, entusiasmado por el talento de la cantante, firmó con ella un contrato editorial con EMI. En ese momento conoció a su futuro productor, Salaam Remi. Frank y el primer éxito Su álbum debut, Frank, salió a la venta el 20 de octubre de 2003. El disco, producido principalmente por Salaam Remi, contenía influencias de jazz y, a excepción de dos covers, todas las canciones estaban coescritas por Winehouse. El álbum fue bien recibido por los críticos, quienes compararon su voz con las de Sarah Vaughan y Macy Gray,5 18 y logró alcanzar el disco de platino en el Reino Unido y fue nominado a los Premios Mercury Music y a los BRIT Awards. En 2004, ganó un Premio Ivor Novello a la Mejor Canción Contemporánea por su single "Stronger Than Me".19 El mismo año, la cantante se presentó en el Festival de Glastonbury y en el V Festival. Back To Black y el éxito internacional El 30 de octubre de 2006, Amy sacó su segundo álbum, Back to black, que tuvo buena recepción tanto comercial como de la crítica, alcanzando el número uno en el Reino Unido. Gracias al álbum Amy ganó un Brit award en la categoría de Mejor Artista Británica. En junio de 2007, Winehouse fue nuevamente nominada a los Mercury Prize por ese disco, y su venta alcanzó el platino en Estados Unidos. Como broche de oro, consiguió tres nominaciones a los MTV Video Music Awards de 2007. En enero de 2008 lanzó Back To Black: B-Side, saga del exitoso Back to Black, y su primer DVD titulado I Told You I Was Trouble: Live in Londres. Back to Black tuvo un éxito rotundo, y una crítica favorable que ganó numerosas comparaciones con la «era Motown de R&B». La revista Rolling Stone dijo que en este álbum, Amy Winehouse desprendía la fuerza de los intérpretes de indie y de hip hop. La revista anglosajona People afirmó que «Back to Black es un disco mejor cada vez que lo escuchamos». The New Statesmen remarcó que este segundo trabajo era mejor que el primero, refiriéndose a él como «un impresionante trabajo de soul». Continuo éxito y aclamación El 10 de febrero de 2008, se celebró la ceremonia de entrega de los Premios Grammy, en la que Winehouse resultó ser la gran ganadora de la noche, llevándose cinco de los seis premios a los que estaba nominada, entre ellos: Mejor nuevo artista, Grabación del año, Canción del año, Mejor interpretación femenina de pop por Rehab, además de Mejor álbum pop vocal por Back to Black, pero no pudo asistir a la ceremonia debido a que, en un primer momento, Estados Unidos le denegó el visado por «uso y abuso de narcóticos», y aunque esta decisión fue reconsiderada, el visado no llegó a tiempo para que la artista pudiera asistir a la gala.20 Finalmente intervino vía satélite desde Londres, interpretando dos de sus canciones más exitosas. El trabajo de Mark Ronson como productor de Amy le valió un premio Grammy como "Productor del año". Con su éxito, la cantante se ganó una entrada a la edición del 2009 de los Récords Guinnes, por la mayoría de premios Grammy ganados por una artista británica, tras los que las ventas de Back to Black aumentaron, alcanzando el número dos del Billboard 200. En enero de 2008 Universal Music International dijo que creía que las ventas del álbum aumentaron gracias a los medios de comunicación. Una edición especial de Back to Black encabezó la lista del Reino Unido, el 2 de marzo de 2008; mientras que la versión original estuvo en el número 30 en su semana 68, y Frank en el 35. A 12 de marzo el álbum ya había vendido un total de 2,467,575 copias en el Reino Unido entrando en el Top-10 de los álbumes más vendidos del siglo XXI. El 7 de abril de 2008 Back To Black lideraba la lista de los álbumes europeos, siendo su sexta semana consecutiva. Esto hizo que se convirtiera en el séptimo álbum más vendido de todo el mundo. En los premios Ivor Novello de 2008 Winehouse se convirtió en la primera artista en estar nominada en dos categorías importantes: "Mejor Canción" y "Mejor Canción Líricamente" ganado por «Love Is a Losing Game» y nominado por «You Know I'm No Good», «Rehab» ganó en la categoría Mejor canción contemporánea. Winehouse fue nominada a un MTV Europe Music Award en la categoría «Acto del año». Amy Winehouse – The Girl Done Good: A Documentary Review, un DVD de 78 minutos, fue lanzado el 14 de abril de 2008. El documental incluye entrevistas con aquellos que la conocieron en una edad joven, le ayudaron a tener éxito, expertos en música de jazz, así como especialistas en música y cultura pop. En la semana del 26 de julio de 2011, después de la muerte de Winehouse, Frank, Back To Black y Back To Black EP entraron nuevamente en el Billboard 200 en Estados Unidos en el número 57, 9 y 152, respectivamente, Back To Black alcanzó el puesto número cuatro a la semana siguiente. También encabezó la lista Digital álbumes y fue el segundo mejor vendedor en iTunes en la misma semana. «Rehab» volvió a entrar y lideró la lista Digital Songs con ventas digitales de 38.000 copias. También alcanzó el quinto puesto en el Billboard Hot 100. Proyectos finales Winehouse y Mark Ronson contribuyeron con «It's My Party» de Quincy Jones para el disco homenaje Q Soul Bossa Nostra lanzado el 9 de noviembre de 2010. Un tiempo antes, había acordado formar un grupo con el baterista ?uestlove de la banda the Roots, pero sus problemas personales hicieron demorar el proyecto de trabajar juntos en el grupo todavía sin nombre. El productor Salaam Remi había creado algún material con Winehouse como parte del proyecto. Según un informe de prensa, Universal Music la impulsó a considerar la producción de nuevo material durante 2008, pero el 2 de septiembre no se registró su presencia en un estudio de grabación. Se dijo que había estado actuando durante el verano y también que, por más que un disco se grabara rápidamente, debería serlo al menos un año antes de que pudiera ser lanzado. A finales de octubre, el vocero de Winehouse declaró que no tenía un plazo para completar su tercer álbum, porque estaba aprendiendo a tocar la batería. Durante su estancia en 2009 en Santa Lucía, Winehouse trabajó en nuevas canciones con el productor Salaam Remi. Island afirmó que un nuevo álbum sería lanzado en 2010, y al respecto, su copresidente Darcus Beese dijo: "He oído un par de demos de canciones que absolutamente me derribaron". En julio de 2010, Winehouse mencionó su próximo álbum, que sería editado a más tardar en enero de 2011, diciendo: "Va a ser muy, muy parecido a mi segundo disco, donde hay un montón de cosas jukebox y canciones que son ... solo jukebox, la verdad". No obstante, Mark Ronson dijo en julio de 2010 que no había comenzado a grabar el álbum todavía. Su última grabación fue un dueto con el cantante estadounidense Tony Bennett, para el disco Duets II, el cual fue lanzado el 20 de septiembre de 2011. Su single del álbum, Body & Soul, fue publicado antes, el 14 de septiembre de 2011, en MTV y VH1 para conmemorar el que hubiera sido su cumpleaños número 28. Su padre, Mitch Winehouse, lanzó la Amy Winehouse Foundation con el objetivo de crear conciencia y apoyo a las organizaciones que ayudan a los adultos vulnerables y a los jóvenes con problemas de adicción. Las ganancias de Body & Soul serán para la fundación. La canción recibió el Grammy a Mejor Artista Pop Dúo / Grupo de rendimiento en los premios Grammy número 54, el 12 de febrero de 2012. El padre de Amy recogió el premio en la ceremonia de entrega junto a la madre Amy, Janis, diciendo: "No deberíamos estar aquí. Nuestra querida hija debería ser quien lo recibiera. Estas son las cartas que te reparten". También agregó al final del discurso «Amy, Etta, Whitney grandes mujeres están en el cielo» ya que Etta James había fallecido semanas antes y Whitney Houston un día antes de los Grammy. Al ser entrevistado por Jon Stewart en The Daily Show, el 29 de septiembre de 2011, Bennett dijo que, en retrospectiva, él creía que Amy: «estaba en problemas en ese momento porque tenía un par de compromisos que no se mantuvieron. Pero lo que la gente no se dio cuenta es que ella realmente lo sabía, y de hecho, ni siquiera lo saben, cuando estábamos haciendo el disco, y ahora mirando a todo el asunto, ella conocía que estaba en una gran cantidad de problemas, que no iba a vivir. Y no eran las drogas. Fue el alcohol hacia el final. . . . Era una cosa tan triste porque. . . ella era la única cantante que realmente cantaba lo que yo llamo el 'camino correcto', porque era una gran intérprete de jazz-pop. . . . Realmente, un gran cantante de jazz. Una verdadera cantante de jazz. Y lamento a que ese es el 'camino correcto' para cantar.» Éxito póstumo y Lioness: Hidden Treasures[editar] Amy Winehouse en 2007. Tras su muerte se anunció que su trabajo Back to Black enmarcó directamente la lista de iTunes en casi todos los países del mundo, volvió a entrar en las listas del Reino Unido el 24 de julio de 2011 con el número cincuenta y nueve, con tan solo siete horas de ventas. A la semana siguiente, su disco volvió a ser número uno, lo que marcó la cuarta vez en que alcanzó el primer puesto. En Canadá, desde su muerte, el álbum vendió 2.500.000 copias, logrando alcanzar el número trece en la lista de álbumes de ese país. A la semana siguiente, llegó al número seis y se vendió un adicional de 5.000 copias. El 25 de agosto, la Official Charts Company anunció que Back To Black fue el álbum más vendido en el Reino Unido en el siglo XXI, con unas ventas de 3,26 millones de copias. El 5 de diciembre salió a la venta el primer álbúm póstumo de la cantante, Lioness: Hidden Treasures, que contenía covers y canciones inéditas grabadas a partir de 2002. Previamente se había publicado un primer sencillo con el tema Body & Soul, a dueto con Tony Bennett, y el 18 de noviembre de 2011 llegó al público el segundo sencillo Our Day Will Come, que había sido grabado en estudio en el año 2007. De este primer trabajo póstumo se vendieron en el Reino Unido 194.000 copias en su primera semana, la más grande en ventas de la carrera de la cantante. También fue el cuarto álbum con mayor número de ventas en la primera semana de ventas de 2011, debutando en el primer puesto. En los Estados Unidos el álbum debutó en el número 5 en el Billboard 200 con 144.000 unidades vendidas, por lo que es su más alta primera semana de ventas en el país. Después del lanzamiento del álbum, la canción «Between the Cheats», que iba a pertenecer a su tercer álbum de estudio, sirvió para la difusión de un rumor que trataba sobre la posibilidad de la publicación de un segundo disco del mismo estilo. En 2012, Winehouse fue incluida en el número 26 en VH1 100 mejores mujeres en la música.12 En 2004 conoció en un pub de Londres a Blake Fielder, ambos tenían pareja pero decidieron estar juntos. Después de varios meses, en 2005 Blake puso fin a la relación para volver con su ex novia, Amy entonces pasó por un período de consumo de pastillas para la depresión, violentos cambios de humor y pérdida de peso debido a la bulimia. Su condición de salud mejoró en 2006 y la recuperación coincidió con la grabación de su segundo y último álbum de estudio Back to black.21 En este periodo de buena salud física y emocional comenzó a salir con el cantante británico Alex Clare. Hasta que en 2007 volvió a retomar su relación con Blake Fielder. Es después de haber contraído matrimonio con él, cuando Amy influenciada por Blake toma por primera vez las drogas duras. En agosto de ese mismo año, Winehouse canceló una serie de shows en el Reino Unido y Europa, citando el agotamiento y la enfermedad. Fue hospitalizada durante este período por lo que se informó como una sobredosis de heroína, crack, cocaína, ketamina y alcohol.22 En enero de 2008, se difundió un vídeo donde presuntamente se observa a Winehouse fumando crack.23 Días después su compañía discográfica anunció que ingresaría en un centro de desintoxicación por propia voluntad para contrarrestar su adicción.24 En mayo de 2008, Amy participó del festival Rock in Río III, en la ciudad de Lisboa. Después de media hora de retraso y aclamación de sus fans, la cantante, para sorpresa del público, subió al escenario con un mal aspecto, un poco ebria, tambaleándose y disfónica.25 En julio de 2009, se presentó la demanda de divorcio contra quien fuera su marido, Blake Fielder-Civil.26 A principios de 2010 inició una relación con el director Reg Traviss hasta el día de la muerte de Amy en 2011. El 18 de junio de 2011, Amy realizó en Belgrado, capital de Serbia, un concierto catalogado por sus propios fans como «desastroso» y «escandaloso», e incluso catalogándolo como «el peor concierto jamás visto», al encontrarse en el escenario completamente ebria. La crítica fue tal, que la artista canceló el resto de las funciones, regresando a su hogar antes de lo previsto.27 A la edad de 27 años, el 23 de julio de 2011 sobre las 16:00 hora local BST, Amy Winehouse fue encontrada muerta en su apartamento de Londres.28 La policía británica respondió a una llamada del servicio londinense de ambulancias tras reportes del deceso de una mujer.29 Los oficiales encontraron el cuerpo de Winehouse, que fue declarada muerta inmediatamente. Su cuerpo fue encontrado sin vida en su apartamento en Camden. Se realizó una investigación para hallar las causas de su muerte, descrita por la policía como inexplicada. Inmediatamente, los medios de comunicación y la muchedumbre se reunieron en los alrededores de la residencia de Winehouse para rendirle honores. Los investigadores forenses entraron en el apartamento una vez que la policía aisló la calle. Su discográfica, Universal, hizo un comunicado público en el que declaraba: «Estamos profundamente afligidos en la pérdida repentina de una artista tan dotada y admirable». El 23 de agosto, la familia de Winehouse dio a conocer un breve comunicado sobre los resultados de las pruebas de toxicología devueltos por las autoridades: «No había drogas ilegales» y la causa de la muerte aún no se pudo determinar.30 La declaración concluye: «La familia desea agradecer a la policía y al juez de instrucción por su investigación exhaustiva y continua para mantenerlos informados durante todo el proceso. Se espera que los resultados de la investigación se publiquen en octubre.» En una entrevista en la CNN en septiembre, el padre de Amy Winehouse, quien se encontraba en proceso de rehabilitación del alcoholismo, sostuvo la teoría de que su muerte pudo producirse por un ataque provocado por las sustancias que le habían prescrito para aliviar los efectos del síndrome de abstinencia del alcohol. «Todo lo que Amy hizo lo hizo en exceso: bebió en exceso y también se desintoxicó en exceso», declaraba.30 El 25 de octubre de 2011 se hizo público el resultado de la autopsia.31 La forense Suzanne Greenway dijo que «la muerte repentina fue la consecuencia no intencionada» de la gran ingesta de alcohol de Amy Winehouse. En su apartamento se encontraron tres botellas de vodka vacías, dos grandes y una pequeña. La investigación forense halló 416 mg de alcohol por decilitro de sangre (416 mg/dl). El límite para conducir en Gran Bretaña es de 80 mg/dl. El patólogo que realizó el examen post mortem afirmó que 350 mg/dl era considerado un nivel fatal, es decir, que implicaba la muerte. El examen concluyó que los órganos vitales estaban en buen estado pero que la artista tenía grandes cantidades de alcohol en el sistema, por lo que su respiración podría haberse detenido y habría terminado en un coma. Las pruebas toxicológicas no hallaron en su cuerpo sustancias ilegales cuando murió.32

DIBUJANDO CON DOLOR

cuando llega la inspiración para dibujar o pintar, tiene uno todo el animo las ideas están ahí y lo plasmamos en papel o lienzo. después de horas de estar ahí agachado sin comer ya que el tiempo paso volando, cansado, con la mano adolorida y un dolor de espalda que no deja ni dormir..... al día siguiente, veo mi dibujo y valió la pena el esfuerzo. dibujar hasta la muerte "el cuns"

LOS MEJORES ARTISTAS DE LA HISTORIA

1. PABLO PICASSO (1881-1973) – Picasso es a la historia del Arte un gigantesco terremoto de secuelas eternas. Con la posible excepción de Miguel Ángel (quien centró sus mayores esfuerzos en la escultura y la arquitectura), ningún otro artista mostró tal ambición a la hora de situar su obra dentro de la historia del Arte. Picasso creó las vanguardias. Picasso destruyó las vanguardias. Miró atrás a los grandes maestros y los superó cuando se lo propuso. Se enfrentó a toda la historia del Arte y redefinió de su propia mano la tortuosa relación entre obra y espectador. 2. GIOTTO DI BONDONE (c.1267-1337) – Se ha dicho que Giotto fue el primer pintor verdadero, al igual que Adán fue el primer hombre. Estamos de acuerdo en lo primero. Giotto continuó el estilo bizantino de Cimabue y otros predecesores, pero se ganó el derecho a figurar con letras de oro en la historia de la pintura al dotar a sus obras con una cualidad casi desconocida hasta la fecha: la emoción. 3. LEONARDO DA VINCI (1452-1519) – Para bien o para mal, Leonardo será conocido siempre como el autor de la más famosa pintura de todos los tiempos, la Gioconda o Mona Lisa. Pero es más que eso, mucho más. Su mirada humanista, casi científica, penetró en el arte del quattrocento y la revolucionó con su sfumetto que nadie fue capaz de imitar. 4. PAUL CÉZANNE (1839-1906) – “Cézanne es el padre de todos nosotros”. Esta lapidaria frase ha sido atribuida tanto a Picasso como a Matisse, y ciertamente importa poco quién la dijera en realidad, porque en cualquier caso es cierta. Partiendo de la ola de aire fresco que representó el impresionismo, Cézanne dejó atrás a todo el grupo impresionista para desarrollar un estilo de pintura nunca visto hasta la fecha, que abrió la puerta de par en par para la llegada del cubismo y el resto de las vanguardias del siglo XX 5. REMBRANDT VAN RIJN (1606-1669) – El fascinante, magnético juego de luces y sombras de sus obras parecen un reflejo de su vida, que pasaba de la fama al olvido mientras su técnica no hacía más que mejorar. Sus autorretratos, de largo los más fascinantes de la historia de la pintura, nos hablan de un pintor sincero y honesto, un maestro capaz de penetrar en la mente del mayor desconocido: uno mismo 6. DIEGO VELÁZQUEZ (1599-1660) – Junto con el anterior, una de las cumbres de la pintura barroca. Pero a diferencia del holandés, el artista sevillano se movió casi toda su vida dentro de la cómoda, pero también rígida, sociedad cortesana. A pesar de ello, Velázquez fue un renovador, un “pintor de atmósferas” casi dos siglos antes que Turner o los impresionistas, y lo plasmó tanto en las colosales pinturas de cámara (“Meninas”, “La fragua de Vulcano”) como en los audaces e inolvidables bocetos de la Villa Médicis. 7. WASSILY KANDINSKY (1866-1944) – Aunque el título de “padre de la abstracción” ha sido asignado a múltiples artistas, desde Turner hasta Picasso, pocos pintores podrían reclamarlo con tanta justicia como Kandinsky. Muchos artistas han conseguido emocionar, pero muy pocos han logrado, además, cambiar nuestra manera de entender el Arte. Wassily Kandinsky pertenece a estos últimos 8. CLAUDE MONET (1840-1926) – La importancia de Monet dentro de la historia del Arte se ve en ocasiones “olvidada” por el hecho de que ante su obra el espectador tiende a ver solo la irresistible belleza que emana del lienzo, olvidando el complejo estudio que Monet hacía de la pintura (un “defecto” que el propio Monet propició al declarar “no entiendo por qué la gente quiere entender mis pinturas, cuando es suficiente con disfrutarlas). No obstante, los experimentos de Monet, en particular sus estudios sobre los cambios de luz sobre un mismo objeto a lo largo del día, y la cualidad casi abstracta de sus “nenúfares” son un prólogo evidente al Arte del siglo XX. 9. CARAVAGGIO (1571-1610) – El pendenciero y violento Caravaggio está considerado el padre de la pintura barroca, con sus espectaculares juegos de luces y sombras y sus escenas “tenebristas” captadas en perspectivas forzadas 10. JOSEPH MALLORD WILLIAM TURNER (1775-1851) – “Hay un pintor que tiene la manía de pintar atmósferas…”, escribió un crítico de la época sobre William Turner, el más grande paisajista de todos los tiempos. Los experimentos de Turner durante sus últimos años, cercanos ya a la abstracción, están entre lo más adelantado a su tiempo que se haya visto en la historia del Arte 11. JAN VAN EYCK (1390-1441) – Van Eyck es el colosal pilar sobre el que se apoya toda la pintura flamenca de los siglos posteriores, un genio de la precisión, la perspectiva y la meticulosidad, muy por encima de cualquier otro artista de su época, sea flamenco o italiano. 12. ALBERTO DURERO (1471-1528) – El verdadero Leonardo da Vinci del Norte de Europa fue Durero, un genio inquieto e innovador, maestro del dibujo y el color. Es uno de los primeros artistas en representar la naturaleza sin artificios, tanto en sus paisajes como en sus dibujos de plantas y animales 13. JACKSON POLLOCK (1912-1956) – La gran figura del expresionismo abstracto y el pintor que divide el siglo XX entre vanguardias y post-vanguardias. Sus “drips“ del periodo 1947-1952 son uno de los grandes momentos del Arte contemporáneo 14. MIGUEL ÁNGEL (1475-1564) – Seguramente sorprenda ver al que es junto con Picasso el mayor genio artístico de todos los tiempos en una posición tan baja, pero lo cierto es que el propio Miguel Ángel se definía a sí mismo como “escultor”, e incluso su obra maestra pictórica (los frescos de la Capilla Sixtina) está realizada siguiendo criterios más escultóricos que pictóricos. Aún así, una obra maestra de tal calibre es suficiente para garantizarle un puesto de honor en la historia de la pintura 15. PAUL GAUGUIN (1848-1903) – Una de las figuras más fascinantes de la historia de la pintura, su obra se movió entre el impresionismo (que pronto abandonó) y el simbolismo, colorista y vigoroso, de sus obras en la Polinesia. Hoy en día, Matisse y el fauvismo no pueden comprenderse sin la obra de Gauguin 16. FRANCISCO DE GOYA (1746-1828) - Goya es un enigma. En toda la historia del Arte pocas figuras resultan tan complejas para el estudio como el genial artista nacido en 1746 en Fuendetodos. Inquieto e inclasificable, pintor sin rival en toda su vida, Goya fue pintor de corte y pintor del pueblo. Fue pintor religioso y pintor místico. Fue autor de la belleza y erotismo de La Maja desnuda y del explícito horror de Los fusilamientos del 3 de Mayo. Fue pintor al óleo, al fresco, dibujante y grabador. Y nunca paró su metamorfosis 17. VINCENT VAN GOGH (1853-1890) – Pocos nombres en la historia del Arte son hoy tan famosos como el de Van Gogh, pese al completo olvido que sufrió en vida. Su pintura, vigorosa y personal, es una de las grandes influencias a la pintura del siglo XX, especialmente al expresionismo alemán 18. ÉDOUARD MANET (1832-1883) – Manet fue el faro del Impresionismo, un revolucionario dentro de una época de grandes revoluciones artísticas. La “Olimpia” o “El desayuno sobre la hierba” abrieron el camino para las grandes figuras del Impresionismo 19. MARK ROTHKO (1903-1970) – La influencia de Rothko en la historia de la pintura aún está por cuantificar, pues lo cierto es que casi 40 años después de su muerte la influencia de las grandes masas de color y emoción de los lienzos de Rothko sigue en aumento en muchas de las primeras tendencias pictóricas del siglo XXI 20. HENRI MATISSE (1869-1954) – La crítica tradicional tiende a considerar a Matisse como el mayor exponente de la pintura del siglo XX junto a Picasso. Quizás sea exagerado, aunque es cierto que el uso casi puro del color en algunas de sus obras influyeron enormemente en muchas de las vanguardias posteriores 21. RAFAEL (1483-1520) – Idolatrado y denostado según gustos y eras, nadie puede dudar que Rafael es uno de los mayores genios del Renacimiento, con una técnica excelente en cuanto a dibujo y color. 22. JEAN-MICHEL BASQUIAT (1960-1988) - Basquiat es, sin duda, el más importante y conocido del graffiti movement que se extendió en la escena neoyorkina a principios de la década de los 80, una corriente artística cuya influencia –enorme, desde luego- en la pintura posterior todavía está por medir 23. EDVARD MUNCH (1863-1944) – Modernista por su contexto, Munch podría ser considerado además el primer pintor expresionista de la historia. Obras como “El grito” son claves para comprender la pintura del siglo XX 24. TIZIANO (c.1476-1576) – La muerte prematura de Giorgione convirtió al longevo Tiziano en el faro de la pintura veneciana de su época. Su uso del color y gusto por los temas mitológicos definen por si mismo las características principales del Arte veneciano del XVI. Su influencia en artistas posteriores –Rubens, Velázquez- es importantísima. 25. PIET MONDRIAN (1872 -1944) – Junto con Kandinsky y Malevich, Mondrian es la principal figura de la primera abstracción pictórica. Tras emigrar a Nueva York, Mondrian dota a la abstracción de una velada cualidad emocional, como se ve en su serie de “boogie-woogies” realizada en la década de los 40 26. PIERO DELLA FRANCESCA (1416-1492) - Siendo una de las figuras claves del quattrocento, el Arte de Piero della Francesca ha sido descrito como “frío”, “hierático” o incluso “impersonal”. Tuvo que aparecer Berenson y los grandes historiadores de su época como Michel Hérubel –quién defendió la “dimensión metafísica” de la pintura de Piero- para que su Arte preciso y contenido ocupara el lugar que merece en la historia del Arte 27. PETER PAUL RUBENS (1577-1640) – Rubens fue uno de los más prolíficos pintores de toda la historia, en parte gracias a la colaboración de su estudio. Muy famoso en vida, viaja por toda Europa satisfaciendo encargos de muy acaudalados e importantes clientes. Sus desnudos femeninos siguen sorprendiendo hoy en día 28. ANDY WARHOL (1928-1987) – Polémico y brillante, Warhol es la principal figura del pop-Art y uno de los iconos del Arte contemporáneo. Sus serigrafías en serie de personajes populares (como una reinterpretación de las series de Monet) han pasado ya a la historia del Arte, y han influenciado a una gran parte de la pintura posterior 29. JOAN MIRÓ (1893-1983) – Como casi todos los genios, Miró es un artista inclasificable. Su interés por el mundo de lo inconsciente, lo oculto en el fondo de la mente, lo acerca al surrealismo, pero con un estilo personal, a veces más cercano al fauvismo o expresionismo, llegando hasta el punto de pasar largas temporadas sin ingerir alimentos para provocar un estado mental alterado que pudiera expresar aquello que Miró buscaba plasmar en sus pinturas 30. TOMMASO MASACCIO (1401-1428) – Pintor malogrado, pasará a la historia de la pintura como uno de los primeros en aplicar a sus obras las leyes de la perspectiva científica. Uno de los grandes renovadores de la pintura del temprano Renacimiento 31. MARC CHAGALL (1887-1985) – Artista de sueños y fantasías, Chagall fue toda su vida un inmigrante fascinado por las luces y colores de los lugares que visitaba. Pocos nombres de la Escuela de París de principios del siglo XX han contribuido tanto y con tal variedad a cambiar el Arte del siglo XX como este extranjero “impresionado por la luz”, como el mismo se definía. 32. GUSTAVE COURBET (1819-1877) – Figura principal del realismo, y claro precedente de los impresionistas, Courbet es uno de los mayores revolucionarios –tanto a nivel artístico como en su faceta de activista social- de la historia de la pintura. Al igual que Rembrandt y otros predecesores, Courbet no buscó crear belleza, sino que consideraba que la belleza más pura era representar la realidad sin artificios 33. NICOLAS POUSSIN (1594-1665) – El más grande de los pintores del barroco francés, Poussin ejerció una influencia vital sobre toda la pintura gala de siglos posteriores. Su uso del color es único entre todos los pintores de su era 34. WILLEM DE KOONING (1904-1997) – Tras Pollock, la figura principal del expresionismo abstracto, aunque una de sus mayores aportaciones fue no sentirse atado por la abstracción, y recurrir frecuentemente a una figuración desgarradora (su serie de “Mujeres”, por ejemplo) de gran influencia en artistas como Bacon o Freud. 35. PAUL KLEE (1879-1940) – En un periodo artístico de revoluciones e innovaciones, pocos artistas fueron tan determinantes como Paul Klee. Sus estudios sobre el color, que enseñó en la Bauhaus, son únicos entre los artistas de la época 36. FRANCIS BACON (1909-1992) - Máximo exponente –junto a Lucian Freud- de la llamada “Escuela de Londres”, la pintura de Bacon se rebela contra todos los cánones de la pintura anterior, no sólo en lo relacionado con la belleza, sino también contra la abstracción del expresionismo abstracto dominante en la época 37. GUSTAV KLIMT (1862-1918) – A medio camino entre el modernismo y el simbolismo aparece la figura de Klimt, quien también se dedicó a las artes industriales. Sus paisajes casi abstractos le convierten, además, en un predecesor de la abstracción geométrica. 38. EUGÈNE DELACROIX (1798-1863) – Es la figura clave del romanticismo pictórico y una influencia vital para el impresionismo francés. “La Libertad guiando al pueblo” demuestra la capacidad de la pintura no sólo para impresionar y emocionar, sino también para convertirse en el símbolo de una época 39. PAOLO UCCELLO (1397-1475) – “Qué dulce amante es la perspectiva”. Esta frase atribuida a Uccello resume por sí misma la mayor obsesión de este extraño artista: los avances que el descubrimiento de la perspectiva científica suponía para la pintura del Quattrocento 40. WILLIAM BLAKE (1757-1827) – Místico y revolucionario, pintor y poeta, Blake es una de las figuras más fascinantes del Arte de cualquier era. Sus acuarelas, grabados y témperas rebosan una imaginación (casi locura) sin parangón entre los artistas de su era 41. KAZIMIR MALEVICH (1878-1935) –Creador del suprematismo, Malévich será por siempre una de las figuras más polémicas de la historia del Arte entre el gran público, que se divide entre aquellos que lo consideran un renovador imprescindible y aquellos que consideran que sus obras basadas en polígonos de colores puros no merecen ser considerados obras de Arte 42. ANDREA MANTEGNA (1431-1506) – Uno de los mayores exponentes del Quattrocento, interesado en la figura humana, que representa en muchas ocasiones bajo perspectivas extremas (“El Cristo muerto”) 43. JAN VERMEER (1632-1675) – es el principal exponente de la Escuela del Delft, y por derecho propio figura entre los grandes paisajistas de todos los tiempos. Obras como “Vista del Delft” se consideran como casi impresionistas por la viveza de su pincelada. También fue un hábil retratista 44. EL GRECO (1541-1614) – Uno de los más originales y fascinantes pintores de su época, con una técnica personalísima que sería admirada, tres siglo después, por los pintores impresionistas 45. CASPAR DAVID FRIEDRICH (1774-1840) – Figura principal del romanticismo pictórico alemán, aún hoy se le identifica como el pintor de los paisajes de soledad y angustia, con figuras humanas enfrentadas a la magnificencia de la naturaleza 46. WINSLOW HOMER (1836-1910) – La principal figura de la pintura americana de su era, Homer supuso un soplo de aire fresco para la escena americana, que se encontraba entre el academicismo y el casi romanticismo de la Escuela del Río Hudson. El trazo suelto y alegre de Homer le acerca al impresionismo 47. MARCEL DUCHAMP (1887-1968) – Una de las principales figuras del dadaísmo y ejemplo de artista total, Duchamp es una de las figuras más importantes y polémicas de su era. Su contribución a la pintura es tan solo una mínima parte de su contribución al mundo del Arte 48. GIORGIONE (1478-1510) - Como tantos otros pintores malogrados Giorgione nos dejará para siempre la duda de hasta dónde podría haber llegado su exquisita pintura de haber gozado de una larga existencia, y de qué lugar ocuparía ésta en la historia del Arte, aunque viendo la prodigiosa evolución de su directo heredero artístico –Tiziano- es fácil hacerse una idea 49. FRIDA KAHLO (1907-1954) – La fama que ha alcanzado su figura casi trágica en los últimos años parece oscurecer la importancia que Frida tuvo en el Arte latinoamericano. Marcada desde pequeña por las secuelas físicas de un accidente de autobús, los autorretratos de Kahlo parecen lamentos silenciosos. 50. HANS HOLBEIN EL JOVEN (1497-1543) – Tras Durero, el más grande de los pintores alemanes de su época, el fascinante retrato de “Los embajadores” sigue siendo una de las pinturas más enigmáticas de la historia del Arte 51. EDGAR DEGAS (1834-1917) – No siendo totalmente impresionista, las obras de Degas comparten ideales con los de dicho movimiento artístico. Sus pinturas representando a jóvenes bailarinas o ballerinas se cuentan entre los iconos de la pintura del XIX 52. FRA ANGELICO (1387-1455) – Uno de los mejores coloristas del temprano Renacimiento, y quizás el primero en evolucionar los avances realizados por Giotto di Bondone 53. GEORGES SEURAT (1859-1891) - Georges Seurat es uno de los más importantes pintores post-impresionistas, y está considerado como el creador del "puntillismo", un estilo de pintura en el que pequeños puntos de colores primarios crean la impresión de masas de colores secundarios e intermedios 54. JEAN-ANTOINE WATTEAU (1684-1721) – Watteau está considerado hoy en día como uno de los pioneros del rococó. Lamentablemente, murió en su máxima plenitud artística, como demuestra el genial retrato de “Gilles” realizado el año de su muerte 55. SALVADOR DALÍ (1904-1989) – “¡No podéis expulsarme porque yo soy el surrealismo!”, bramó Dalí cuando André Breton lo expulsó del movimiento surrealista por sus ideales fascistas. Aunque la frase suene presuntuosa (lo que nunca fue inusual en Dalí), lo cierto es que las pinturas de Dalí son hoy en día las imágenes más famosas de todo el surrealismo 56. MAX ERNST (1891-1976) – A medio camino entre el surrealismo y el dadaísmo aparece el nombre de Max Ernst, importante en ambas tendencias. Ernst fue un valiente explorador artístico que contó con el apoyo de la mecenas Peggy Guggenheim, con quien estuvo casado 57. TINTORETTO (1518-1594) - Tintoretto es el más ambicioso de los maestros venecianos (aunque no el mejor, ese honor sólo puede ser reclamado por Tiziano o Giorgione) y su magna obra culmina no solo el esplendor veneciano hasta la era de Canaletto, sino que le convierte también en el último de los maestros del Cinquecento. 58. JASPER JOHNS (n.1930) – La última leyenda viva del temprano Pop-Art, aunque él nunca se ha considerado como tal. Sus obras más famosas son las de la serie “Flags (banderas)” y “targets (dianas)” 59. SANDRO BOTTICELLI (1445-1510) – “Si Botticelli viviera, trabajaría para Vogue”, se ha escrito de uno de los artistas más famosos del quattrocento. Comparte con Rafael el hecho de ser amado u olvidado según gustos y eras, pero su uso del color es uno de los más fascinantes de toda la pintura antigua 60. DAVID HOCKNEY (n. 1937) - David Hockney es uno de los mitos vivos de la pintura pop. Británico de nacimiento, se traslada pronto a California, donde enseguida se siente identificado con la luz, la cultura y el paisaje urbano de la región 61. UMBERTO BOCCIONI (1882-1916) – La máxima figura del futurismo italiano, fascinado por el mundo de la máquina, en continuo movimiento, un símbolo de los nuevos tiempos contemporáneos 62. JOACHIM PATINIR (1480-1524) – Mucho menos dotado técnicamente que otros pintores flamencos como Memling o Van der Weyden, su contribución a la historia del Arte es vital por la incorporación del paisaje como elemento principal de la obra 63. DUCCIO DA BUONINSEGNA (c.1255/60 – 1318/19) – Mientras Giotto di Bondone cambiaba en Florencia el rumbo de la historia de la pintura, Duccio de Buoninsegna también aportaba un soplo de aire fresco a la importante escuela sienesa. 64. ROGER VAN DER WEYDEN (1399-1464) – Tras Van Eyck, el principal exponente de la pintura flamenca del siglo XV, maestro de la perspectiva y la composición 65. JOHN CONSTABLE (1776-1837) – La gran figura del paisajismo inglés, junto con Turner. Sus propias autolimitaciones (jamás salió de Inglaterra) impiden que este artista de gran técnica ocupe un puesto similar al del anterior en la historia de la pintura 66. JACQUES-LOUIS DAVID (1748-1825) – David es la cumbre del neoclasicismo, cuyas composiciones grandiosas parecen un reflejo de su ajetreada y revolucionaria vida 67. ARSHILLE GORKY (1905-1948) – Pintor de orígenes armenios, partiendo del surrealismo fue uno de los primeros artistas en abrazar el expresionismo abstracto. Fue llamado “el Ingres del inconsciente” 68. HIERONYMUS BOSCH (EL BOSCO) (1450-1516) – El Bosco es una de las figuras más fascinantes de la pintura antigua. Profundamente religioso, El Bosco ve en la sociedad de su época el triunfo del pecado, de la carne, de todas las cosas que han arrebatado al ser humano su carácter angelical, y quiere advertir a sus contemporáneos de las terribles consecuencias de sus actos impuros. Para ello crea obras como “El tríptico de las delicias”, considerado por algunos como un prólogo al surrealismo 69. PIETER BRUEGEL EL VIEJO (1528-1569) - Comúnmente se establecen paralelismos entre la obra de El Bosco y la de Bruegel, pero lo cierto es que las diferencias entre ambos son abismales. Mientras que las fantasías de El Bosco nacen de una profunda decepción y preocupación por el ser humano, con un mensaje claramente moralizante, las obras de Bruegel están cargadas de ironía y de un amor por la vida rural que parece anticipar el paisajismo holandés del siglo posterior 70. SIMONE MARTINI (1284-1344) – Uno de los grandes pintores del Trecento italiano, fue un paso más allá al contribuir a expandir los avances de éste, dando lugar al llamado “Estilo Internacional” 71. Frederic Edwin Church (1826-1900) - Church representa la culminación de la Escuela del río Hudson: posee el amor por el paisaje de Cole, el lirismo romántico de Durand y la grandilocuencia de Bierstadt, siendo más valiente y técnicamente más dotado que cualquiera de ellos. Se trata sin duda de uno de los mejores paisajistas de todos los tiempos, tal vez sólo superado por Turner y algunos impresionistas y postimpresionistas de primera linea como Monet o Cézanne 72. EDWARD HOPPER (1882-1967) – Hopper pasará a la historia de la pintura como el pintor de la soledad urbana. Su obra más famosa, el célebre “Nighthawks” (1942) se ha convertido, por derecho propio, en el símbolo de la soledad de la metrópolis contemporánea y en uno de los iconos del Arte del siglo XX. 73. LUCIO FONTANA (1899-1968) – Padre del “Manifiesto Blanco”, que afirma que "La materia, el color y el sonido en movimiento son los fenómenos cuyo desarrollo simultáneo integra el nuevo Arte". Sus “conceptos espaciales” son ya un icono del arte de la segunda mitad del siglo XX 74. FRANZ MARC (1880-1916) – Tras Kandinsky, la gran figura del grupo expresionista “El jinete azul” y uno de los más importantes pintores expresionistas. Su muerte prematura acaeció en plena evolución artística, cuando su uso del color anticipaba ya la abstracción 75. PIERRE-AUGUSTE RENOIR (1841-1919) – Otro de los grandes nombres del Impresionismo que pronto abandonó el movimiento para seguir una línea más personal, más similar al academicismo 76. JAMES MCNEILL WHISTLER (1856-1921) – Junto con Winslow Homer la gran figura de la pintura americana de su época. Whistler fue un excelente retratista, destacando el retrato de su propia madre, considerado como una de las grandes obras maestras de la pintura americana 77. THEODORE GÉRICAULT (1791-1824) – Figura clave del romanticismo, de vida y obra revolucionaria pese a sus orígenes burgueses. “La balsa de la medusa” es una de las primeras obras de denuncia contra el poder que ha dado la pintura 78. WILLIAM HOGARTH (1697-1764) – En una lista de los grandes retratistas de todos los tiempos nunca debería faltar la figura de Hogarth, cuyos estudios y bocetos podrían clasificarse incluso de preimpresionistas 79. CAMILLE COROT (1796-1875) – Una de las grandes figuras del realismo francés del XIX y sin duda alguna una de las mayores influencias para los impresionistas como Monet o Renoir, gracias a su amor por representar la naturaleza al aire libre, haciendo hincapié en el uso de la luz 80. GEORGES BRAQUE (1882-1963) – Junto con Picasso y Juan Gris, la principal figura del cubismo, la más importante de las vanguardias artísticas del siglo XX 81. HANS MEMLING (1435-1494) – Quizás el más completo de los pintores flamencos del siglo XV, aunque no tan innovador como Van Eyck o Van der Weyden 82. GERHARD RICHTER (n.1932) – Uno de los artistas más importantes de las últimas décadas, Richter es tan conocido por sus fieras abstracciones llenas de color como por sus serenos paisajes y escenas de velas 83. AMEDEO MODIGLIANI (1884-1920) – Uno de los retratistas más originales de la historia de la pintura, considerado como un pintor “maldito” por su ajetreada vida y su muerte prematura 84. GEORGES DE LA TOUR (1593-1652) – La influencia de Caravaggio es evidente en De la Tour, cuyo empleo de la luz y la sombra es único entre los pintores barrocos de su era 85. ARTEMISIA GENTILESCHI (1597-1654) – Su talento se halla entre los mayores del temprano barroco, deudor de Caravaggio 86. JEAN FRANÇOIS MILLET (1814-1875) – Una de las figuras principales de la Escuela de Barbizon, autor de una de las obras más emocionantes de la pintura del XIX: El “Angelus” 87. FRANCISCO DE ZURBARÁN (1598-1664) – El más cercano a Caravaggio de todos los barrocos españoles, sus últimas obras muestran un dominio del claroscuro sin parangón en la pintura de su tiempo 88. CIMABUE (c.1240-1302) – Pese a que en algunas obras Cimabue representa ya una evolución al rígido arte bizantino, su mayor contribución a la pintura fue el descubrir (cuenta la leyenda que pintando ovejas con una tiza sobre una roca) a un joven talento llamado Giotto, que cambiaría para siempre la pintura occidental 89. JAMES ENSOR (1860-1949) – Pintor violento, cuyas obras de apariencia inacabadas lo convierten en un precursor del expresionismo 90. RENÉ MAGRITTE (1898-1967) – Una de las principales figuras del surrealismo, sus obras aparentemente simples surgen de una compleja reflexión sobre la realidad y el mundo de los sueños 91. EL LISSITZKY (1890-1941) – Uno de los principales exponentes de la vanguardia rusa, influenciado por Malevich, que también destacó en el diseño gráfico 92. EGON SCHIELE (1890-1918) – Otro artista malogrado, sus desgarradores retratos influyeron en obras de artistas posteriores, como Freud o Bacon 93. DANTE GABRIEL ROSSETTI (1828-1882) – Posiblemente la figura clave del movimiento prerrafaelista, Rossetti abandonó la poesía para dedicarse a una pintura de aire clásico que influiría en el simbolismo posterior 94. FRANS HALS (c.1580-1666) – Uno de los retratistas más importantes de todos los tiempos, su estilo suelto y desenfadado influyó en el temprano impresionismo. 95. CLAUDIO DE LORENA (1600-1682) – Sus paisajes ejercieron una influencia vital sobre el paisajismo de siglos posteriores, tanto en Europa (Corot, Courbet) como América (Escuela del Río Hudson) 96. ROY LICHTENSTEIN (1923-1977) – Junto con Andy Warhol el exponente más conocido del Pop-Art, a menudo identificado con el mundo del comic, idea que el rechazaba “por ligera que pueda parecer la diferencia” 97. O'KEEFE, GEORGIA (1887-1986) – Figura clave de la pintura americana del siglo XX, O'Keefe redefinió por si sola el arte del oeste americano 98. GUSTAVE MOREAU (1826-1898) – Una de las figuras claves del simbolismo, introvertido y misterioso en vida, pero de gran libertad y colorido en sus obras 99. GIORGIO DE CHIRICO (1888-1978) – Considerado el padre de la pintura metafísica y una importante influencia para el movimiento surrealista 100. FERNAND LÉGER (1881-1955) – Partiendo del cubismo, Léger se ve cada vez más atraído por el mundo de la máquina y el trabajo, que plasma en obras como “Los discos” (1918) 101. JEAN-AUGUSTE-DOMINIQUE INGRES (1780-1867) – Ingres fue el más destacado discípulo del neoclasicismo de David, por lo que no puede considerarse un pintor renovador. Sí fue, por el contrario, un maestro del retrato clásico

EL ARTISTA"

El artista a es aquella persona que hace, crea o produce obras de arte. Lo que se entiende por artista proviene de la familia léxica de la palabra arte (del latín ars, artis, y este calco del griego τέχνη (téchne)) Dado el cambiante significado de la noción arte, el término artista puede definirse o estudiarse desde un punto de vista histórico; identificándose al artista como todo aquel que es capaz de "crear" (y no solamente reproducir) partiendo de su propia inspiración. Son artistas por ello: los pintores de la cueva de Altamira, los antiguos dibujantes chinos músicos, los escultores y los arquitectos griegos, los artesanos medievales, los grabadores del Renacimiento, los pintores del Barroco, los vanguardistas del siglo XX, los creadores de instalaciones actuales, los dibujantes de cómics o historietas, performances, multimedia, además de los músicos.